Androsophy – Androsofia

Androsophy – A life project

The artist is now a fading figure, inconsistent. He is no longer a precious material, or a raw material, or a reaction between various materials, and not even a catalyst that can trigger a reaction, he is just a producer of commodities or an excuse to support any kind of theory by a third party. A symphony of contrasting voices pulls him from side to side, alternating insults and blandishments in an attempt to plagiarism that as clumsy as it is most of the times is nonetheless effective. The concert is carried out in this way:

There is a trumpet on the right, which recalls the artist to tradition and to the past, by those who have never really understood them and misrepresents them. The undeclared aim is to relegate the artist to the role of servant of an ideological function, or of a simple worker of beauty, a manufacturer of pleasant decorations, according to the current trends of taste. Which is the main reason why some philosophers invented aesthetics in the eighteenth century, that was one of the worst disasters for artists of later centuries. The artist does not have to think, especially he does not have to think to make other people think, because this is not his task: his job is to make homework than others, with paternalistic benevolence, ask him to do. They attack contemporary artist calling him a mercenary, an incapable, because he uses little ways, because he uses the shock, because he uses the horrid, because, because, because. And instead of admitting openly the hostility to any form of innovation, they use the excuse that, after all, nothing can ever be entirely new, and they do it to attack anything that tries to be new: an old trick spreading since the time of Caravaggio.
References: Diderot and Baumgarten’s aesthetics up to the contemporary Jean Clair, Marc Fumaroli, and other critics.

Then there is a drum roll on the left, which rebukes and penalizes the artist who dares to say something that makes sense with his work. The artist who has the audacity to say something becomes a despot, an authority figure who wants to impose his vision of the world to the public. The artist becomes a representative of the system that everybody claims to hate. They mourn even when the artist is critical with the system, because the system is able to successfully absorb any criticism and even to speculate on it, and this is enough to justify the desire to clip artist’s wings. It is interesting to note that the critics who attack and deny the figure of the artist and of the author, then become famous authors, and in their writings they work hard to assert their opinion and to convince the readers. On the contrary, however, they say that the artist’s work must be aseptic, must be so relativist as to betray the value of relativism itself. The work of art must say nothing, must be free of statements, transparent and inert, prone to a convenient ambiguity without thickness, and therefore without consequences, once again to become the servant of an ideological function. What they ask to the artist are just a few light ideas, fat free, not too intrusive and cumbersome, in short, just some snacks, with which the public can dine with their imagination and add what is missing, that is, almost everything.
References: from the enlightned “Open work” by Umberto Eco to the obscure “Relational aesthetics” by Nicolas Bourriaud.

From the center comes a harping, that ensure us that “we all are artists.” They do not only states that everyone can, potentially, be an artist, but that in fact everyone already is, pretending not to know that if everyone is an artist, then no one is an artist, no one can be authorized to declare such. It looks so beautiful, so democratic, what could be wrong? Hence, flourish the suffocating rhetoric of collectivism, speeches about the belittling of the ego of the artist and the joy of the anonymous collective work; which are usually just hypocrisy, a more subtle way to make room for ones ego. Moreover, the artist (i.e. anyone) is no longer considered the author of his own work, the work is the product of the actions of the entire art world, including: public, critics, curators, museum directors, collectors, dealers, sellers of fine art materials, the ones that transport works of art, the one that build the lighting systems for exhibitions, and so on up to the galleries attendants. The artist is just one of the wheels of this mechanism, and not even the most important, indeed, is the dust on the last wheel of the wagon. Even in this case, the artist is useless, impotent and irrelevant.
References: from the statements by Joseph Beuys to the vox populi, and from “The death of the author” by Roland Barthes, to “Art worlds” by Howard S. Becker, then Albert Boime and others.

Behind this bunch of factions and factiousness, there is the bassline of the common people, who for the most part are not interested in art, and often they despised is. Or who claims to love the art of the past, confusing history with art and nostalgia with love. But, as per tradition, they are keen to have their say even about the things they do not know, and that they do not appreciate without knowing them. Their battle cries are “I could do that” and “go get a job, you lazy slacker.” Paradoxically, even this category includes some artists who perhaps try to adapt to the philistines, hoping to redeem themselves from their condition, or perhaps because for some reason they feel themselves released from the accusations against the artists.

To sum up: on one hand the artist is closed in the reassuring role of a producer of beauty, which can not annoy anyone, on the other hand they want him to be transparent and inert, hence innocuous. Moreover, they deny to him a reason to exist, because everyone is an artist and the work of art is a product of the art world, not of the artist, lastly, there is the sum of all prejudices about the artists, who are incapable, lazy, and do useless things that anyone could do. As opposed as these theories can be, and in fact they often lead to lively cultural clashes that produce just a bunch of books full of repetitive complaints, they follow an identical project and tend to the same result: the cancellation of the artist, to murder him, which is the best way to make him harmless. This suggests that, despite the perverse interference by the art market and money, and despite the scarce credit that the whole world gives to art, they still believe that in the end the artist can be dangerous, that what he does can shake the status quo, after all, this is good news. Otherwise, they would not try so hard to reduce the artist, to kill him. They often speak about the dematerialization of works of art, but what they really tries to dematerialize is undoubtedly the artist.

It is for these reason that I decided to leave a trace of what are for me the things I do. Calling that, in a deliberately pompous and self-centered way, “androsophy” and elaborating seven guidelines, seven aspects, seven areas in which flows everything I do. This not intend to explain every single work, but to indicate the directions along which they move. Nor is it a “statement”, an overused word that suggests marketing strategies and that sounds so “professional”, always required along with the curriculum, when the artist has to undergo a panel of judges or similar atrocities. Moreover, the artist today has to be an enterprise, even a brand: the “statement” is for an artist what the “mission” is for a enterprise, but even if this is what they ask, it is not for me, I do not have the physique to be an enterprise. I should get by with a slogan, I don’t know, something like “because Andros worth it”, or “Andros inside”, or even “Andros, what else?”, but they usually ask for a statement, accompanied by a couple of smart quotations, some references to the mythological pantheon of artists, and especially by the choice of a theme: the artist must explain what specific subject or style he has decided to take aim with his art, committing to do it at least for the next 30 years: you know, the product must be recognizable at the mall, the consumer must never be confused! Because of all this, I decided to develop these texts about androsophy, which have the disadvantage of being boring, but the advantage of explaining the basics of my works. I know that this way I take two risks: that of being branded as conceptual and to be accused of hiding behind the words any vacuum work. For the reasons already mentioned, I think is absolutely necessary to take these risks, to not become a puppet suitable for any ideology, commercial necessity and fashion, good at everything and then good for nothing. The artist that is no longer a cultural worker but a worker performer, the arm that delegates thought to the minds of others. On the other hand, the silence is also dangerous, for example, it can leave the works open to anything, with the risk that anyone might one day throw in the litter or the dung of his dog. So, I want to clarify the following points: 1) I am not supported by any ideology-religion-ism nor I support any of them, I may well be wrong alone with my own ideas, and I have a vision of the world and life. Right or wrong this is what impregnate the things I do. 2) I do not care about beauty in itself, let alone the general conception of beauty. I do not believe that beauty will save the world, but that it will sell it off, indeed, that it has already done. 3) I do not believe the common and erroneous conception of tradition: it has never been immutable, if it has been perfecting is because it is open to innovation, tradition is therefore innovation, or maybe we can say that innovation is a tradition of the tradition, and in this sense I embrace both. 4) I do not care to be recognizable, I’m not forced to do today what I did yesterday, and tomorrow I’ll not be forced to do what I do today, I do not limit ideas, disciplines and techniques to what others think I should do to have my own “style.” It would be like to adapt the problem to the solution, rather than adapting the solution to the problem. 5) I do not believe that everybody are artists, as I do not think that everybody are neurosurgeons, acrobats or whatever, and I still think it is good to have people who dedicate themselves mainly or solely to art: in the page dedicated to the Dead Art I define what I mean with the word artist.

The rest is explained in the seven guidelines of my androsophy, which are:

1) The Dis-Sense Of Life
2) We’re All In Fine Format
3) Ego Bricks
4) Eros & Thanatos
5) Art Funeral
6) Surfaces
7) No Commercial Value

Everything is connected by what I call “A Theory.”

Anyone who is curious can read the respective pages, anyone who is not curious can just take a look at the works, anyone who does not care about them too can do whatever he wants, I will not be offended.

Androsofia – Un progetto di vita

L’artista è oggi una figura evanescente, inconsistente. Non è più un materiale prezioso, e neanche materia prima, né una reazione dall’incontro di più materie. Non è neanche più un catalizzatore, in grado di innescare una reazione, ma solo un produttore di merci come altre o un pretesto per sostenere qualsiasi teoria di terzi. Una sinfonia di voci contrastanti lo strattona ora da una parte ora dall’altra, alternando insulti e lusinghe in un tentativo di plagio che per quanto goffo il più delle volte è efficace.
Il concertino si svolge in questo modo:

A destra si ode uno squillo di tromba, che richiama l’artista alla tradizione e al passato, da parte di chi tra l’altro non li ha mai realmente compresi e li travisa. Lo scopo non dichiarato è quello di relegare l’artista al ruolo di servo di una funzione ideologica, oppure di semplice operaio del bello, costruttore di decorazioni considerate piacevoli secondo le tendenze maggioritarie del gusto corrente; che è tra l’altro il motivo principale per cui nel Settecento alcuni filosofi inventarono l’estetica, una delle peggiori sciagure per gli artisti dei secoli successivi. L’artista non deve pensare, soprattutto non deve pensare di far pensare, perché non è questo il suo compito: il suo compito è fare i compiti a casa che altri, con paternalistica benevolenza, gli assegnano. Si attacca l’artista contemporaneo chiamandolo mercenario, incapace, perché usa mezzucci, perché usa lo shock, perché usa l’orrido, perché, perché, perché. E invece di ammettere apertamente l’ostilità per qualsiasi forma di innovazione, si usa la scusa che, in fondo, nulla può mai essere del tutto nuovo, e lo si fa per attaccare tutto ciò che tenta di esserlo: un vecchio trucchetto diffuso sin dai tempi di Caravaggio.
Riferimenti: da Diderot e l’estetica di Baumgarten fino ad arrivare ai contemporanei Jean Clair, Marc Fumaroli, e compagnia criticante.

A sinistra risponde un rullo di tamburi, che redarguisce e penalizza l’artista che si azzardi a dire con le proprie opere qualcosa che abbia un senso compiuto. L’artista che ha l’ardire di affermare qualcosa diventa un despota, una figura autoritaria che vuole imporre la propria visione del mondo ai fruitori. L’artista diventa un rappresentante del sistema contro il quale tutti, a parole, si scagliano. E non va bene neanche se l’artista critica il sistema, perché questo è in grado di assorbire qualsiasi critica e persino specularci sopra, e basta questo motivo per giustificare la voglia di tarpare le ali all’artista. È interessante notare che i critici che attaccano e negano la figura dell’artista e dell’autore, diventano poi famosi autori, e che nei loro scritti si impegnano per affermare le proprie idee e convincere i lettori a farle proprie. Al contrario, invece, si chiede che l’operare dell’artista sia asettico, il suo pensiero inesistente, talmente relativista da tradire il valore del relativismo, tanto da non dire nulla, da essere privo di affermazioni, trasparente e inerte, prono a una comoda ambiguità senza spessore, e quindi senza conseguenze, ancora una volta per rendersi servo di una funzione ideologica. Quello che si chiede all’artista sono solo un paio di spunti leggeri, non troppo invasivi e ingombranti; insomma spuntini, con i quali il pubblico possa pasteggiare con la propria fantasia e aggiungere ciò che manca, cioè quasi tutto.
Riferimenti: dall’illuminata “Opera aperta” di Umberto Eco all’oscura “Estetica Relazionale” di Nicolas Bourriaud.

Dal centro giunge invece una sviolinata, che ci rincuora assicurandoci che “siamo tutti artisti!” Non si afferma solo che tutti possono, potenzialmente, essere artisti, ma che di fatto già lo sono; facendo finta di non sapere che se tutti sono artisti, nessuno è artista, nessuno può più permettersi di dichiararsi tale. Sembra così bello, così democratico, cosa può esserci di male? Ecco quindi fiorire l’asfissiante retorica del collettivismo, dei discorsi sull’annullamento dell’ego dell’artista nell’anonimato o nel lavoro collettivo; che di solito sono solo ipocrisia, un modo più subdolo di altri per far spazio al proprio ego. Ma c’è di più, l’artista (cioè chiunque) non è più considerato l’artefice del proprio operato; l’opera è il prodotto dell’azione congiunta dell’intero mondo dell’arte, che comprende: fruitori, critici, curatori, direttori di musei, collezionisti, galleristi, venditori di materiali per belle arti, trasportatori di opere d’arte, installatori di impianti di illuminazione per sale espositive e così via fino a chi lavora di ramazza nelle gallerie. L’artista è solo una delle tante rotelline di questo meccanismo, e neanche la più importante, anzi, è la polvere sull’ultima rotellina del carro. Anche in questo caso, l’artista risulta inutile, impotente e ininfluente.
Riferimenti: dalle affermazioni di Joseph Beuys al vox populi, e da “La morte dell’autore” di Roland Barthes, a “I mondi dell’arte” di Howard S. Becker, passando per Albert Boime e altri ancora.

A questo sgomitare di fazioni e faziosità, fa da tappeto il trasversale giro di basso della gente comune, che per lo più non si interessa all’arte, anzi spesso la disprezza persino. Oppure che dichiara di amare l’arte del passato, confondendo la storia con l’arte e la nostalgia con l’amore, ma che da tradizione ci tiene a dire la propria anche e soprattutto su cose che non conosce e che pur non conoscendo non apprezza. I loro gridi di battaglia sono “sapevo farlo anch’io” e “vai a lavorare, fannullone.” Paradossalmente, persino di questa categoria fanno parte alcuni artisti, che forse si adeguano al sentire dei filistei sperando di riscattarsi dalla loro condizione, o forse perché per qualche oscuro motivo si sentono esonerati dai loro stessi strali contro gli artisti.

Riassumendo: da un lato si chiude l’artista nel rassicurante ruolo di produttore del bello, nel quale non può infastidire alcuno; dall’altro invece si pretende che sia trasparente e inerte, quindi altrettanto innocuo; da un altro ancora si nega che abbia un motivo di esistere, perché tutti sono artisti e l’opera d’arte è un prodotto del mondo dell’arte, non dell’artista; in ultimo, c’è la summa dei pregiudizi sugli artisti, che sono incapaci, fannulloni, e fanno cose inutili che chiunque potrebbe fare.

Per quanto opposte possano essere queste teorie, e difatti spesso danno vita a movimentati scontri culturali che producono solo un mucchio di libri pieni di lamenti ripetitivi, esse seguono un identico progetto e tendono al medesimo risultato: l’annullamento della figura dell’artista, la sua uccisione, che è il modo migliore per renderla inoffensiva. Il che fa pensare che, nonostante le perverse ingerenze del mercato e del denaro e nonostante lo scarso peso sociale che il mondo intero oggi affida all’arte, si creda ancora che l’artista possa essere pericoloso, che quello che fa possa scuotere lo status quo: in fondo, è una buona notizia. Se pensassero che l’artista ormai non possa più avere alcuna influenza, non si darebbero tanta pena nel tentare di ridimensionarlo, di addomesticarlo, di assassinarlo. Si parla spesso della smaterializzazione dell’opera d’arte, ma quello che davvero si cerca di far smaterializzare è senza dubbio l’artista. È per questo motivo che ho deciso di lasciare una traccia scritta di quello che per me rappresenta quello che faccio, definendola in modo volutamente pomposo ed egocentrico “androsofia” ed elaborandola in sette linee guida, sette aspetti, sette ambiti, nei quali tutto quello che faccio confluisce. Non si tratta di spiegare ogni singola opera, ma di indicare le direzioni lungo le quali esse si muovono. Non si tratta neanche di uno “statement”, parola fin troppo abusata che fa pensare a strategie di marketing e che suona tanto “professionale”; sempre richiesto insieme al curriculum, quando l’artista deve sottoporsi a una giuria o atrocità simili. Del resto, l’artista oggi deve essere un’azienda, anzi un brand: lo statement sta all’artista come la “mission” sta all’azienda, ma anche se l’aria che tira è quella, non fa per me, non ho il fisico dell’azienda.
Da come vanno le cose potrei cavarmela con uno slogan, non so, tipo “liscia, gassata o Andros?”, oppure “chi ama Andros lo segua”, o anche “un Andros è per sempre”, ma di norma si pretende uno statement, corredato da un paio di citazioni dotte, alcuni riferimenti al pantheon degli artisti mitologici, e soprattutto dalla scelta di una tematica. L’artista deve spiegare quale specifico e ridottissimo soggetto o stile ha deciso di prendere di mira con la propria arte; impegnandosi a farlo almeno per i prossimi 30 anni: si sa, il prodotto dev’essere riconoscibile sullo scaffale del supermercato, non sia mai che il pubblico si confonda e non lo riconosca a colpo d’occhio! A tutto ciò ho preferito sviluppare questi testi dell’androsofia, che hanno il difetto di essere noiosi, ma il pregio di spiegare le basi del mio lavoro. So bene che in questo modo assumo due rischi: quello di essere bollato come concettuale e quello di essere accusato di nascondere dietro le parole l’eventuale vuoto delle opere. Per i motivi già elencati, ritengo assolutamente necessario correre questi rischi, per non diventare un fantoccio adatto a qualsiasi ideologia, necessità commerciale e moda, buono a tutto e quindi buono a nulla. L’artista non più operaio culturale ma operaio esecutore, il braccio che delega il pensiero alle menti altrui. D’altra parte, anche il silenzio nasconde dei pericoli, per esempio quello di lasciare il proprio lavoro aperto a tutti, col rischio che chiunque possa un giorno buttarci le cartacce o lo sterco del proprio cane.
Per cui, tengo a precisare i seguenti punti: 1) Non mi appoggio ad alcuna ideologia-religione-ismo né l’appoggio; posso benissimo sbagliare da solo con le mie idee, e ho una visione del mondo e della vita. Giusta o sbagliata è questa a impregnare le cose che faccio. 2) Non mi interessa il bello in quanto tale e proposto in quanto tale, men che meno la generale concezione del bello. Non credo che la bellezza salverà il mondo ma che lo svenderà, anzi, che lo abbia già fatto. 3) Non credo alla comune, ed errata, concezione della tradizione: essa non è mai stata immutabile, se è andata perfezionandosi è perché è aperta all’innovazione, la tradizione è quindi anche innovazione, o se vogliamo possiamo dire che l’innovazione sia una tradizione della tradizione, e in questo senso le abbraccio entrambe. 4) Non mi interessa essere riconoscibile, oggi non devo per forza fare ciò che ho fatto ieri, e domani non dovrò fare per forza ciò che faccio oggi. Non limito le idee, le discipline e le tecniche a quello che altri pensano io debba fare per avere un mio “stile”; sarebbe come adattare il problema alla soluzione, invece di adattare la soluzione al problema. 5) Non credo affatto che tutti siano artisti, come non credo che tutti siano neurochirurghi, acrobati o qualsiasi altra cosa, e credo abbiano ancora ragione di esistere delle persone che si dedichino principalmente o unicamente all’arte: nella pagina dedicata all’Arte Morta definisco meglio cosa intendo per artista.

Il resto è spiegato nelle sette linee guida della mia androsofia, che sono:

1) Il Dis-Senso Della Vita
2) Siamo Tutti In Gran Format
3) Mattoncini Ego
4) Eros & Thanatos
5) I Funerali Dell’Arte
6) Surfaces
7) Campioni Senza Valore

Il tutto è collegato da quella che chiamo “Teoria A.”

Chi è curioso potrà leggere le rispettive pagine, chi non è curioso potrà limitarsi a guardare le opere, chi non è interessato neanche a quelle potrà fare quello che gli pare, non mi offenderò.

Andros

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